22:52

Our Unsung Hero of TX Music - Cristian

Pubblicato da Remo Ricaldone |

 

Ok...questo è l'ultimo post di Lonestartime.com dopo molti anni di vita, grazie alla passione e alla perseveranza di Cristian Gualandri che lo ha fortemente voluto, creato e accudito...grazie a lui abbiamo potuto godere di una serie incredibile di concerti come mai si era potuto credere di assistere...negli ultimi anni queste pagine sono andate avanti quasi per forza di inerzia e per il mio voler dedicare a lui ogni parola e ogni suggerimento...dopo che ci ha lasciato (troppo troppo presto) è iniziata una china che purtroppo, a malincuore, ha portato alla decisione di chiudere questa bella avventura, certi che non è stata vissuta invano e nella speranza che abbia lasciato qualcosa di bello in ognuno di noi, come certamente ha fatto Cristian che continueremo a ricordare con profondo affetto...e l'ultimo post è questa appassionata e commovente lettera di un caro amico come Bruce Kalmick che ben descrive quanto abbia fatto Cristian per la diffusione della musica texana qui da noi...so long, my friend...
Remo Ricaldone

Our Unsung Hero of TX Music - Cristian

It was 2005 and early in my career in the music business, as a booking agent in the early days. My partner, Ricky Brown, and I made it a major part of our development to get on the road and see the venues, crowds, and towns all over TX for ourselves. I had no intention of first discovering how big the music world really is but our then client Rodney Hayden was asked to tour through parts of France and Italy, and he asked me to go with. We scraped together some money and I managed to get myself to Europe. It was my first time crossing the Atlantic.

I quickly realized how great music can travel anywhere in the world and the fans were discovering music by buying Cd’s of Texas/Regional artists for whatever they cost; which could range from $25-100 depending on the cost of shipping and the available quantities on some of these somewhat obscure and unknown regional artists. We had a great time navigating our way through Paris and then we booked a Train car from Paris to Bologna, Italy… We had our own 2 bed Car and we would spend the next 12 hours with no food (The Train told us they ran out after we boarded) and so we tried to sleep and take in some of the passing landscape. I think Rodney wrote a few songs that he has since released on that train ride.

Basically, upon arrival in Italy and our greeting from Max and Cristian; we instantly knew this was going to be much more memorable trip. Both Cristian and Max treated us like family almost right away. We ate the best food in every town, we drank the best wine, and Rodney played a few packed shows for Italian fans of Texas music that sang every word to every song. I was floored by Cristian and Max’s knowledge of Texas, the music scene, and their love of live music. Cristian introduced me to the real Jack Ingram on a car ride from Maranello to Ferrara, Italy. Yes, I knew Jack; but I didn’t know “Electric” and Cristian knew every word; as did I by the end of the next few days listening to the album nonstop.

I left Italy with a completely new approach to artist development and discovery. Since that trip, we started a management company and have developed some of the greatest bands in Texas history; starting with Whiskey Myers and Josh Abbott Band, who was accompanied by Kacey Musgraves to sing their now Gold Record “Oh Tonight”. Both of which would then make trips to France and Italy and play in front of thousands in southern France at Rendezvous’ and then jumping in with Cristian and Max (who did this on their off days from their day jobs) and touring across Italy playing shows C&M would promote themselves, risk their own money, and still not let any of us buy a single meal or glass of wine along the way. Cristian and Max have now brought Randy Rogers Band, Stoney Larue, Bart Crow, Mike and the Moonpies, Cody Canada, etc. etc. etc. over to Italy and single handedly created a market for TX music in foreign speaking Italy of all places.

I have now signed bands and artists from all over the world (KALEO, FERBY, BELLE MT, Seaforth, etc.) and I have continued to tour all over the UK and Europe with my clients, building artists from all genres like; Chase Rice, Whiskey Myers, The Cadillac Three, KALEO, etc. into major headline acts from Scotland, London, Wales, Amsterdam, Berlin, Hamburg, Paris, Austria, Greece, Italy, Australia, New Zealand, Brazil, Spain, Chile, Japan, South Korea, Russia, and more...

I have gotten to see most of the world, and it all started with these two guys in small town northern Italy. Passionate about real music and about telling everyone they know until they built a market in one of the most surprising markets. Now we have streaming, and music is discoverable anywhere you go in some way without leaving your house, but it's guys like Cristian and Max that really build markets and create consumer demand for new genres.

Sadly, we lost Cristian this morning to a very sudden heart attack.

He was young, he was full of passion, love, faith, and drive to keep discovering and keep building just about every act that I have signed in the last 15 years. He leaves behind his wife Simona, who is absolutely the rock and one of the kindest people I have ever met. I was lucky to be able to hang out with Cristian one last time in Jan when Kaleo played a showcase for the global Warner team in Milan. We ate the best meal of my life. Again. We hung out and talked music and life. They fell in love with JJ and KALEO and we all spent time together for a couple days before we had to say goodbye. I’m listening to Jack Ingrams “one thing” right now and I can smell his little Italian truck and hear him talking about how much he loves Simona.

Cristian is the hope that the music business needs everywhere.

He believed so strongly in a sub-genre of country music in Texas that he risked his savings to bring the bands to his home country. It worked! His legacy should live on in the halls, honky tonks, and backstages of Texas music forever. I know we have lost some of the greatest TX artists in history in the last month, and now we lost one of unsung heroes of our genre.

RIP Cristian. We have so much to thank you for! Enjoy your playtime and snuggles with Cody (His puppy they named after Cody Canada, who passed last summer). I will miss the checkups, the Italian jokes, and music talks.

Now you are the “Chosen One”…

Keep an eye on TEXAS Music for us!

Il californiano Mike Jacoby è tra i più attivi musicisti dell’area di Long Beach con un’attività solista fatta di tre dischi solisti (il precedente datava 2019 e si intitolava “Long Beach Calling” parafrasando gli amati Clash) e di altri tre album come frontman degli Haymakers. Tra rock’n’roll e alternative country, con la passione anche per certo ‘power pop’ degli anni sessanta e settanta, Mike Jacoby si presenta con il suo Electric Trio in compagnia di Mike Levin alla batteria e Don Read al basso in un lavoro il cui denominatore comune è una scrittura decisamente frizzante e godibile che passa tematicamente da canzoni d’amore a brani intrisi di sofferenza e relazioni familiari problematiche per poi tornare al divertimento puro, sulla falsariga di nomi come NRBQ, Jonathan Richman e Greg Kihn che nel corso degli anni settanta diedero il meglio di se. “The Long Haul” mostra musicalmente una bella ricerca melodica che va a braccetto con una solidità strumentale impreziosita dalla presenza del violino di Lisa Jackert e del piano di Art Bailey per una selezione che scorre con grande naturalezza e spontaneità. “Right Off The Bat” è il miglior manifesto del suono complessivo dell’album, con un bel ‘tiro’ e la voglia di divertire e divertirsi, nella migliore tradizione rock’n’roll a stelle e strisce, “Everybody I Know” coglie al meglio quei suoni tra rock e pop che ebbero il loro momento più ispirato a metà anni settanta e che oggi hanno il sapore agrodolce del tempo passato. “The Calm Before The Storm” vira un po’ verso certo alternative country con la presenza di belle chitarre e parti vocali che rimandano alla California dei sixties, con la successiva “A Better Man” che riporta le atmosfere verso il ‘garage rock’ rimanendo come suoni nella stessa decade. “She’s Funny That Way” viaggia tra la California e i gruppi della british invasion con una freschezza notevole dal punto di vista armonico, “Bend” è invece un ‘rockin’ country’ ancora una volta di ottima fattura, spigliato e pimpante, “Be Nice” ricorda le ballate del cosiddetto Paisley Underground e un ottimo intervento all’armonica dello stesso Mike Jacoby. L’album prosegue nella sua parte conclusiva con “If I Don’t Fry” che ricorda le composizioni del sottovalutato Joey Spampinato con i suoi NRBQ, la buona “Everything”, “Maybe Just Maybe” che figurava in un disco dei Haymakers qui riletta in maniera decisamente più acustica, un uptempo divertente e scanzonato. La canzone che da’ il titolo al disco congeda il trio elettrico di Mike Jacoby con un altro momento che ben si adatta al mood complessivo e segna un nuovo capitolo per un musicista la cui notorietà meriterebbe un’ampiezza ben maggiore.

Remo Ricaldone

23:20

Ben Bostick - The Rascal Is Back

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Con cinque album all’attivo nell’arco di sei anni, Ben Bostick ha fissato le basi di un suono figlio diretto di country music e rock’n’roll, con nel cuore Springsteen e Mellencamp ma soprattutto Dale Watson, Bobby Bare e la scena che rivitalizzò Nashville tra gli anni ottanta e i novanta. Dal suo debutto omonimo del 2017, Ben Bostick non si è più fermato, andando a rappresentare uno degli acts più attivi della scena musicale della Georgia e poi con un sempre maggiore riflesso nazionale. Il suo nuovo disco ce lo riconsegna più pimpante che mai, con undici nuove composizioni originali che ne fissano il lato più divertente e godibile in un percorso perfetto da ascoltare in auto o per ravvivare qualche festa, suonato con grande perizia da una band in perfetta sintonia e mostrando una ottima ispirazione, a partire dal trascinante honky tonk di apertura che da’ il titolo alla raccolta. “You Can Leave In The Morning” ha un’altra melodia che avvince ed avvolge nel segno di una country music che viaggia a molta distanza dalle proposte attuali di Nashville, “My Sister & Me” lega country e rock con sapienza in un momento che si fa ricordare per l’estrema piacevolezza e la vicinanza con il ‘Cougar’ Mellencamp di “American Fool”, così come la seguente “Big Train”. “Po No Mo” ci riporta alla country music più genuina seguendo le tracce di Johnny Cash e di Dale Watson, “I Don’t Care” invece è la canzone meno ‘in linea’ con il suono dell’album, un momento in cui Ben Bostick si avvicina a certe cose dei Clash, quelli di “London Calling” tra rock, punk e ska. “Strange Duck” è nuovamente classica country music con il suo bagaglio di ironia e divertimento, seguita da una “Iowa Girl” tra i punti più alti del disco, tra country e rock, raggiungendo una perfetta sintonia e simbiosi. La stessa formula che presenta “Come Back Home To Me” dove si accentua la parte rock’n’roll alla maniera dei mai troppo lodati NRBQ mentre per il finale Ben Bostick ci regala una “Burning Down The Road” un po’ più ‘ordinaria’ e la più incisiva ed acustica “I Remember Easy Street” caratterizzata da un bel pickin’ e da un’interpretazione calda e sorniona. Una chiusura più rilassata e bluesy per un album decisamente esuberante e vivace. Una conferma per un musicista di valore.

Remo Ricaldone

 

23:17

James Turner - Future Meets The Past

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Direttamente da Liverpool dove si è fatto le ossa nel suo circuito musicale, alternando nei primi anni il suo ‘day job’ nei docks della città inglese, grazie all’amore per il rhythm and blues prima e poi per il rock delle radici, unendo spesso citazioni folk e nel tempo supportando nelle tournee nel Regno Unito band come Long Ryders, Beat Farmers, True West e Rain Parade. Ed è proprio a quelle band, a quel mondo in bilico tra rock e country-folk, che James Turner ha guardato e che in questo suo nuovo “Future Meets The Past” fa riferimento in una bella alternanza di emozioni. Con voce solida ed espressiva e con una bella dose di ispirazione melodica, il nostro ha confezionato un disco autoprodotto in tutte le fasi (dalla composizione alla produzione) che si mostra credibile e genuino, unendo alle chitarre elettriche una strumentazione acustica dove violino e mandolino spostano le influenze verso un suono di chiara marca americana. Inevitabilmente appaiono influenze folk-rock autoctone, avvicinandosi talvolta ai Waterboys di Mike Scott come per esempio nella nitida “Real Change” e portando in dote la canzone d’autore urbana venata di folk di nomi come Elliott Murphy o Willie Nile. Solida è anche la sezione ritmica composta dal bassista Etienne Girard e dai tamburi dietro ai quali siedono alternandosi Dave Ormsby e Mark Rice. Il folk britannico emerge prepotentemente in “Breaking Of The Ties” mentre in “Cycle Of Life” gli umori sono chiaramente americani, con un trasporto interpretativo dal taglio decisamente rock. Da segnalare una trascinante e vibrante “Heaven’s Inside You”, autenticamente rock, “Same Old Story” ballata dal forte sapore folk, acustica ed incisiva per un’altra performance di livello, “To The Wild” che, posta in chiusura del disco, smorza con i suoi suoni acustici un poker piacevolissimo di momenti dal carattere rock, sempre e comunque declinato sulla base di radici ‘folkie’, caratteristica che accompagna questo “Future Meets The Past”, bella sorpresa per un nuovo nome che merita un ascolto.

Remo Ricaldone

 

23:15

Andrew Hawkey - Hindsight

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Andrew Hawkey è stato dalla fine degli anni sessanta ai giorni nostri,  cantautore ispirato profondamente dal folk (spesso con connotazioni ‘psichedeliche’ e sognanti), dal blues, da certa country music e dal rock. Nato in Cornovaglia ma residente da molto tempo in Galles, Andrew Hawkey ha frequentato assiduamente la Londra degli anni sessanta e i suoi clubs, formandosi come autore, come performer e come avido collezionista di dischi, cominciando ad incidere a fine decade e percorrendo gli anni successivi con discrezione ma sempre con grande passione. Per i suoi ottantanni ha deciso di pubblicare una retrospettiva, compilata con rigore cronologico, intitolata intelligentemente “Hindsight” (“col senno di poi”), un cammino degno di nota in cui la crescita artistica lo ha visto ampliare e maturare una visione decisamente ‘naif’ agli inizi e sempre più sicura con il passare del tempo. Dalle nitide composizioni degli anni settanta come “Columbine” e “Ivinghoe” a quelle degli anni ottanta, in qualche modo debitrici dei suoni di gente come Tim Buckley, John Martyn e Nick Drake, con la sognante “Always Treat Me Right” e la più nervosa “Just One Night Of Love” su tutte ma con una menzione particolare per titoli come “Waterloo” con le sue delicate inflessioni country. Nelle ultime decadi Andrew Hawkey ha mantenuto viva la sua passione musicale abbracciando il più classico suono blues come descritto dalla lunga, intensa “Help Me” e per ‘raccontare’ gli anni duemila ci sono la notevole “Spirit”, le recentissime “Between Two Horizons” e “Just The Sky”, due brani che confermano, nonostante il passare degli anni, una bella freschezza e una profondità espressiva non scontate. Disco prezioso per fare luce su uno dei molti ‘best kept secrets’ della scena roots, in questo caso britannica ma con il cuore al di là dell’oceano.

Remo Ricaldone

10:19

Ed Snodderly - Chimney Smoke

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Ed Snodderly è il classico esempio di grande musicista che, almeno a livello internazionale, non ha ricevuto il giusto riconoscimento per i suoi molti talenti. Nato e cresciuto a Knoxville, Tennessee, Eddie Lynn Snodderly ha fatto tesoro delle proprie radici appalachiane sviluppando una capacità di scrittura, un amore per la tradizione e uno stile notevoli, pubblicando una decina di lavori solisti e alcuni come membro del duo Brother Boys con Eugene Wolf. Dal suo debutto discografico pubblicato nella seconda parte degli anni settanta, Ed Snodderly ha contribuito non poco alla diffusione di una canzone d’autore di qualità, prendendo spunto da country music e old-time ed inserendo elementi blues in quello che sarebbe diventato con gli anni lo stile ‘americana’. Un precursore insomma che ha dato la possibilità ai migliori nomi della scena roots di esibirsi dal vivo in un piccolo ma frequentatissimo locale come il Down Home Coffehouse And Pickin’ Parlor nella cittadina di Johnson City, Tennessee che ha contribuito a far nascere. “Chimney Smoke” ce lo riconsegna più ispirato che mai, protagonista di uno dei migliori dischi dell’anno in ambito cantautorale, con un album estremamente intenso ed incisivo che si avvale della splendida produzione di R.S. Field (Shaver, Allison Moorer, Justin Townes Earle e Todd Snider alcuni dei nomi che hanno beneficiato del suo lavoro), del certosino lavoro come ingegnere del suono di Bill VornDick (purtroppo il suo ultimo visto che è mancato poco dopo la fine di queste registrazioni, nel 2022) e della presenza di un vero ‘parterre de roi’ di musicisti ad ulteriormente impreziosire le canzoni presenti. Shawn Camp, tra i migliori nomi della Nashville più tradizionale e vicino negli ultimi anni al compianto Guy Clark, Steve Conn, pianista di grande pregio, Kenny Vaughn e Chris Scruggs della band di Marty Stuart, Steve Hinson e la sua pedal steel sono la ‘house band’ che impeccabilmente accompagna Ed Snodderly, con una serie di straordinari ‘cammeo’ come quelli dell’irlandese Maura O’Connell, di Malcolm Holcombe, dell’apprezzatissima autrice e cantante Gretchen Peters e di Amythist Kiah. Tutto questo e l’eccellente stato di forma di Ed Snodderly ha fatto si che ne uscisse un disco ricco di spunti, brillante e deciso, un disco che evoca immagini vivide ed affascinanti. “Chimney Smoke” approfondisce i temi cari al nostro descrivendo con dovizia di particolari e di emozioni il sud che è nel suo cuore, mostrandone i caratteri più autentici unendo dolore e nostalgia, malinconia e speranza in un susseguirsi di brani dal forte sapore ‘southern’, toccando a volte il soul (“Crow’s Fever”) ed il blues ma soprattutto rimarcando il suo dna legato a country, old-time, folk e bluegrass che tra l’altro insegna, nelle sua forme più autoriali, alla East Tennessee State University. Un prodotto che, dall’iniziale “Better Just Ride The Mule” alla conclusione affidata alla ‘bonus track’ “The Diamond Stream”, non ha momenti deboli o scontati. Un ritratto questo di notevole efficacia e valore.

Remo Ricaldone

 

10:17

The Pawn Shop Saints - Weeds

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Jeb Barry è tra i più attivi ed interessanti autori/cantanti dell’area ‘americana’ emersi negli ultimi dieci anni, artista la cui scrittura evoca la migliore canzone d’autore roots prendendo spunto da gente come John Prine, Townes Van Zandt e anche Jay Farrar, l’ex Uncle Tupelo a capo dei Son Volt. Sia come solista o come frontman dei Pawn Shop Saints, Jeb Barry ha mostrato la capacità di stilizzare quadretti di vita puntando su atmosfere che vanno dal folk allo spirito rock e power pop che sono sempre stati suoi punti di riferimento, celebrando con talento il suo amore per la letteratura e per l’America di provincia nella sua accezione più intima e accorata. Jeb Barry in questi ultimi anni è stato particolarmente attivo anche a causa dello stop causato dalla pandemia e dal 2020 ha dato alle stampe tre buoni dischi come “Ordinary Folks”, “Ride My Galaxy” e questo nuovo “Weeds” in cui mostra una maggiore vena folkie ed acustica ma la stessa intensa scrittura qui espressa attraverso i tredici capitoli di un racconto spontaneo, profondo ed evocativo. Questo disco, pur a nome della band, sembra proprio un lavoro da cantautore con la discreta e soffice base dei fratelli Pisano, Josh alle percussioni e Tony alla fisarmonica, delle chitarre di Michael O’Neill e dal fiddle di Amy Attias, in un solido accompagnamento che rimane comunque un leggero passo dietro al leader. Leader che vuole subito omaggiare il suo grande amore per certo ‘power pop’ ed in particolare i Big Star in una “Chelsea Off My Mind” che fissa subito il mood acustico di queste sessions, passando per il fascino del profondo sud di “Southern Drawl In Heaven” e per lo scottante tema delle stragi nelle scuole americane di “Generation Lockdown” da cui Jeb Barry è particolarmente toccato visto che il suo ‘day job’ è proprio quello di insegnante in una scuola superiore. La statura di storyteller emerge nitidamente in molti dei brani del disco, da “James” in cui focalizza l’egoismo e la mancanza di empatia nella nostra società a “The War” in cui si sottolineano i traumi della guerra su coloro che ne sono coinvolti, fino a piccoli gioiellini come “Twine” dedicata a John Prine e scritta il giorno dopo la sua scomparsa e come “All Girls Break Hearts” basata sulle relazioni spezzate e sulle ferite che lasciano. “Weeds” è un album da penetrare nella sua complessità tematica che riserverà emozioni e coinvolgimento a chi lascerà aperto il proprio cuore a queste ballate.

Remo Ricaldone

10:14

Brian Kalinec - The Beauty Of It All

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Brian Kalinec è tra i più apprezzati songwriters in terra texana le cui radici sono ben piantate nella zona orientale del Lone Star State, area fertile e ricchissima di spunti letterari e musicali. Riferimenti che appaiono nitidi nei suoi dischi, lavori che hanno riscosso un buon successo nei festival (Kerrville su tutti ma anche Mountain Stage) e nei principali club americani. Con la moglie Pam è proprietario di una delle case discografiche più attive in questi ambito, la Berkalin Records per la quale incidono nomi importanti della canzone d’autore tra folk e country come Matt Harlan, Libby Koch, Jeff Talmadge, Jordi Baizan e i bravissimi Ordinary Elephant. “The Beauty Of It All” è il suo disco più recente e racchiude attraverso ben quattordici canzoni, tutta la vena poetica, la sensibilità, la passione e la dolcezza di un personaggio capace di evocare la magia di luoghi e di personaggi intrisi di cristallina bellezza, arrangiando il tutto con grande attenzione sotto la produzione di Merel Bregante, tra i nomi più in vista del panorama texano. Voce estremamente modulata, una ricerca della melodia che risulta al tempo stesso semplice ed efficace, raccontando storie autentiche, che scaldano il cuore, Brian Kalinec prosegue il suo percorso con coerenza muovendosi con sicurezza tra country music e sfumature folk. Sono molti i momenti da sottolineare per piacevolezza melodica e per un equilibrio di suoni garantito da una serie di sidemen di grande valore, da Pete Wasner alle tastiere allo stesso producer Merel Bregante alle percussioni, dalle armonie vocali della brava Sarah Pierce ai tocchi di pedal steel di Dave Pearlman, con la gradita ‘ospitata’ di Cody Braun dei Reckless Kelly a mandolino ed armonica  in “Fix-it Man”. “The Wind” è scritta da Brian Kalinec con un altro ottimo musicista texano, Mando Saenz, ed è tra i momenti più interessanti, con la title-track “The Beauty Of It All”, la scorrevole “Breakfast At Midnight”, “Two Roads”, “Big Hearted” (perfetta per definire il personaggio), “Redwod Fence” e “Next Door Stranger” a comporre un filo rosso che lega l’un l’altro i brani dell’album fissandone le coordinate. Un disco questo estremamente godibile, certamente non rivoluzionario ma che ci fa incontrare un vecchio amico le cui storie continuano ad affascinare.

Remo Ricaldone

10:12

Parker Ferrell - Love Runs Through

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Nonostante sia al debutto discografico, Parker Ferrell è nel mondo della musica da almeno una ventina di anni, formatosi come session man, autore e cantante alla corte di un nome importante in Oklahoma come Steve Ripley, nel cui studio di registrazione di Tulsa sono passati nomi come JJ Cale, Leon Russell e Bob Dylan. Una presenza quella di Steve Ripley (scomparso nel 2019) che aleggia in questo “Love Runs Through” che ci presenta un validissimo musicista come Parker Ferrell che sa unire con sagacia canzone d’autore e rock, pop, country e un tocco di ‘world music’ sotto la produzione di uno dei più illuminati nomi della scena tra Oklahoma e Texas come Jared Tyler, eccellente strumentista che ha lavorato dietro alla consolle per Emmylou Harris, Malcolm Holcombe e Wilco per citare qualche artista. L’album è vario ed ispirato, rimandando più volte alle atmosfere di un James Taylor come per esempio nella suadente title-track  o nelle inflessioni world di un Paul Simon come nella scorrevole “Malala (The Happiest Girl In The World)”, dedicata a Malala Yousafzai, ferita dai talebani e icona della lotta per i diritti civili delle donne. Temi universali come empatia, rispetto, amore e compassione sono trattati da Parker Ferrell con estrema delicatezza e trasporto come in “To All The Friends I’ve Known” che starebbe benissimo su un qualsiasi album di James Taylor o come nella tenue melodia di “The Wright Flyer” dedicata inevitabilmente ai pionieri del volo Wilbur e Orville Wright. “Lauren Kimberly” lascia spazio agli affetti familiari dedicando un’altra ballata acustica alla moglie, con i contrappunti del violino di Luke Bulla mentre “Unlikely Love” conferma una scrittura che ha la sua forza nella semplicità e nella sincerità delle narrazioni. Nella sua stringatezza (sono solo sette i brani inclusi in questo esordio) il disco riesce a descrivere bene il suo autore e racchiude un po’ tutte le sue esperienze in giro per il mondo, provando la vita degli homeless e incontrando un’umanità varia che ha in qualche modo reso Parker Ferrell quello che è oggi: un sensibile cantautore e un genuino artista.

Remo Ricaldone

23:16

Malcolm Holcombe - Bits & Pieces

Pubblicato da Remo Ricaldone |

La vita non è stata certamente agevole per Malcolm Holcombe, tra i cantautori più particolari della scena roots, capace di incrociare folk, blues e country con stile unico e personale, a tratti arruffato ma sempre straordinariamente genuino e sincero. I problemi di salute non lo hanno fermato, frenato in qualche momento forse, ma sono stati la leva che ne ha confermato le qualità di lottatore, nonostante tutto e tutti. Malcolm Holcombe ha avuto la fortuna di incontrare un grande musicista e produttore come Jared Tyler, fedelissimo pard che lo ha sorretto nei momenti difficili come la recente diagnosi di tumore che avrebbe potuto mettere la parola fine alla carriera dello storyteller del North Carolina. Invece i due si sono messi al lavoro e ne è scaturito un disco ispiratissimo, tra i punti più alti di una discografia che consta di ben diciotto capitoli. “Bits & Pieces” è composto da ben tredici nuove composizioni originali, pregne di quello stile intenso e poeticamente incisivo e profondo che ormai è il marchio di fabbrica di Malcolm Holcombe, interpretato con forza quasi inusitata. Il supporto strumentale di Jared Tyler che suona praticamente qualsiasi cosa che abbia delle corde è di qualità finissima, il pickin’ di Malcolm Holcombe è solido e ricco, la sua voce guida trascinandosi dietro una vita di eccessi, di sofferenze e di dolori e proprio per questo unica ed inimitabile che a volte rimanda quella del grande Dave Van Ronk, con la stessa sensibilità nel maneggiare le radici. “Bits & Pieces” ci presenta un autore in gran forma, capace di variare temi passando agevolmente dalla canzone folk al country blues, rivitalizzando una formula non facile da riproporre con credibilità, indovinando melodie e temi sottolineati dal grande talento di Jared Tyler negli arrangiamenti. I ‘pezzi e pezzettini’ del titolo sono un ispirato patchwork dove in ogni momento il nostro si esprime con mirabile efficacia e spesso con commovente trasporto, caratterizzato da un sapiente lavoro chitarristico le cui note non risultano mai superflue e men che meno inutili. In un contesto simile può essere ingiusto citare qualche brano, tutti hanno qualcosa da regalare in fatto di emozioni, dalla luminosa “Fill Those Shoes” a “Hard Luck City”, orgogliosa ed incisiva, passando per la poesia, autentica e pura di momenti come “I’ve Been There”, “The Wind Doesn’t Know You”, “Happy Wonderland” e “Every Soul Is There”. “Bits & Pieces” non faticherà ad entrare nei cuori sensibili, in coloro alla ricerca di momenti che rimangano fissi nel tempo, apice di una carriera che speriamo possa proseguire con questa efficacia.

Remo Ricaldone

23:14

Bruce Cockburn - O Sun O Moon

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Mezzo secolo di carriera, settantotto anni all’anagrafe, 38 dischi con ben pochi momenti deboli: il percorso artistico ed umano di Bruce Cockburn è stato straordinario, portandolo in cima a quella schiera di musicisti canadesi che soprattutto negli anni settanta hanno riscritto le coordinate della canzone d’autore tra folk, blues e country. Naturalmente chi lo ha conosciuto in quegli anni non può dimenticare una serie di lavori di eccezionale qualità che non si sono ripetuti musicalmente nella decade successiva in cui ad arrangiamenti a volte un po’ appesantiti è emerso un grande impegno sociale e politico, salvo poi riprendere il filo del discorso con alcuni album ispiratissimi. Negli ultimi tempi Bruce Cockburn, che nel frattempo si è trasferito a San Francisco, ha ritrovato una vena eccellente dando vita ad una rinascita che lo ha riavvicinato ai capolavori di inizio carriera, come ad esempio con l’uscita di “Bone On Bone” nel 2017. “O Sun O Moon” supera ogni più rosea aspettativa e si colloca ai vertici della sua discografia con una raccolta di momenti che esaltano il suo proverbiale impegno ambientalista e sociale in un insieme altamente lirico e poetico. Musicalmente la produzione affidata al vecchio amico Colin Linden è impeccabile e la presenza di molti nomi eccellenti in ambito roots non sposta equilibri acustici godibilissimi ma fa si che le varie sensibilità porgano un contributo decisamente intrigante. Lo stesso Colin Linden è strumentalmente un vero valore aggiunto di queste sessions tenutesi a Nashville, così come il bassista Viktor Krauss, il fisarmonicista Jeff Taylor e le ottime armonie vocali fornite da Shawn Colvin, Buddy Miller, Allison Russell, Sarah Jarosz e dalle sorelle McCrary. Tutto concorre a creare un pathos unico, atmosfere di grande peso poetico tra folk, sfumature jazzy (“Push Come To Shove” e “King Of The Bolero”) e il mai sopito amore per il blues, fin dall’introduttiva “On A Roll” che contiene una delle frasi più significative dell’opera (“…Il tempo esige il suo pedaggio ma nella mia anima sono in un momento fortunato…”). C’è poi l’amore per delicati momenti strumentali (l’intensa “Haiku”), la sensibilità per i temi legati alla madre terra come in “To Keep The World We Know”, uno dei momenti più alti del disco, l’unico firmato con un aiuto esterno, l’artista nativa Inuk Susan Aglukark e i continui rimandi alle pagine più evocative ed intense di vecchi dischi come “Salt, Sun And Time”, “Night Vision” e “Joy Will Find A Way”. Brani come “O Sun By Day O Moon By Night”, “Orders”, “Us All”e “Into The Now” hanno la forza empatica ed intima del miglior Cockburn che nonostante gli anni mantiene un pickin’ notevolissimo e una tonalità vocale sempre affascinante. Tra i dischi dell’anno.

Remo Ricaldone

 

23:11

Jaime Michaels - How To Shine

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Si arricchisce di un nuovo interessante lavoro il percorso discografico di Jaime Michaels, cantautore formatosi in quella fertile scena artistica di Boston ma da tempo residente in New Mexico dove ha incrociato quasi inevitabilmente un lungimirante produttore e musicista come Jono Manson che ha lavorato con la consueta efficacia per questo “How To Shine”, disco decisamente godibile che inquadra una vena elettro-acustica di buona qualità. Altra cosa che accomuna Jaime Michaels e Jono Manson è il legame con il nostro Paese che ha visto entrambi esibirsi più volte sui palchi dei migliori club nostrani, unendoli anche per la presenza nel catalogo della stessa etichetta, la sempre attiva e preziosa Appaloosa Records. “How To Shine” conferma tutto questo riprendendo in maniera sorprendente “Il Pescatore” di Fabrizio De Andrè, trasformandola ma nemmeno troppo in una “The Fisherman” che mantiene il rispetto per l’originale, classico del repertorio del musicista genovese, accogliendo nelle sessions il dobro di Paolo Ercoli, ormai da tempo ‘sdoganato’ a livello internazionale e e le voci di Andrea Parodi e Claudia Buzzetti. Sono poi ben quattro i brani firmati a quattro mani con l’amico e valente singer-songwriter Jeff Talmadge, quattro esempi di un feeling comune e di una visione assolutamente affine, “Beauty Doesn’t Need Forever” con le belle chitarre di Jon Graboff, l’organo hammond di Jason Crosby, altro nome che ricorre spesso, e i tamburi dietro ai quali siede uno dei più valenti batteristi della scena di Austin ma non solo, Paul Pearcy, l’intensa ed empatica “In My Home”, “What Want You Get” e “Here We Are”. Bella la scelta di interpretare una canzone del compianto ed amato Greg Trooper, figura mai troppo apprezzata dal grande pubblico ma ricchissima di poesia e sensibilità melodica: “This I’d Do” magari non aggiungerà nulla di particolarmente nuovo ma segna un punto a favore per Jaime Michaels e per la sua umanità. Da citare ancora la corposa “Whiskey And Bones” che ci porta per mano nelle strade di una New Orleans calda e trascinante, la title-track che vede la presenza del grande Andrew Hardin alla chitarra e “Midnight Bus Station” che conferma tutte le doti di uno storyteller autentico.

Remo Ricaldone

 

23:09

Bob Bradshaw - The Art Of Feeling Blue

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Sono già dieci i capitoli del percorso discografico di Bob Bradshaw, irlandese ormai da una trentina di anni residente negli States e musicista che ha saputo coniugare canzone d’autore e il roots-rock con fare personale senza però dimenticare l’ispirazione di grandi nomi da entrambi i lati dell’oceano come Nick Lowe, John Hiatt e Guy Clark ma anche Paul Brady, Tom Petty e il Warren Zevon meno ‘selvaggio’. “The Art Of Feeling Blue” prosegue questo racconto che ha molto di autobiografico, esplorando una personalità dal profondo senso poetico e guidata anche dall’amore per il rock, mostrando sempre più sfumature a mano a mano che i dischi si accumulano e si aggiungono nuove canzoni. Dodici sono i brani incisi con una solida band guidata dalle chitarre di Andrew Stern e di Andy Santospago, sorretta dalla sezione ritmica formata da John Sheeran al basso e Mike Connors alla batteria e arricchita dalle armonie vocali della brava cantautrice Kris Delmhorst, dalle tastiere di James Rohr e dal fiddle di Chad Manning a fornire suggestioni folk. Fino dalla copertina si percepisce quella sottile vena maliconica che pervade il disco, sia inevitabilmente nelle ballate che talvolta nei momenti più vicini allo spirito rock, giocando sulle emozioni che Bob Bradshaw sa esprimere con eleganza e gusto melodico come per esempio nella significativa canzone che da’ il titolo all’album. “Waiting” apre il disco con un’avvolgente atmosfera ‘pettyana’, un rock solido ed incalzante che mette subito in chiaro le intenzioni e mostra un Bob Bradshaw in ottima forma compositiva, dando subito spazio ad una “Everybody’s Smalltime Now” più intimista e attendista, una ballata dal passo sicuro che svela note autobiografiche. “I Know A Place” è un altro momento da incorniciare, una ballata dalle tonalità acustiche che ha il sapore ‘blue’ di un Nick Drake o di un John Martyn, con i brumosi paesaggi anglosassoni a venire a galla, mentre “Hot In The Kitchen” è un roots-rock di chiara marca americana, piacevolissimo nel ‘refrain’ e trascinante con il suo sapore anni settanta. “I Keep It Hid” è una piccola gemma, accorata nel suo raccontare le sfumature del carattere di Bob Bradshaw, diviso tra l’essere una persona gelosa del proprio privato ma al tempo stesso con l’urgenza di rendere universali messaggi che possano essere condivisi con il pubblico. “Rosa” si stacca un po’ dal mood del disco con le sue inflessioni ‘spanish’, grazie alla tromba di Jacob Valenzuela, alla corte dei Calexico e ispiratore di una melodia che sa intensamente di storie di confine, “The Silk Road Caravan” non si stacca molto dalla precedente con la sua  forte carica evocativa che la lega agli stessi luoghi e la seguente “Somebody Told Me A Lie” è deliziosamente ‘old fashioned’ con una sinuosa steel a contrappuntare la melodia. “Thought I Had A Problem” è più robusta con una bella base chitarristica, una canzone che personalmente mi ricorda certe cose di Elvis Costello, chiudendo la selezione con una discreta “Let Sleeping Gods Lie” e una molto più convincente “Stepping Stones”, accorata e ‘folkie’ con il suggestivo fiddle di Chad Manning ad intrecciare emozioni e suggestioni. Disco maturo e passionale.

Remo Ricaldone

 

17:54

Ron Lasalle - Roads Taken

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Dalla nativa Niagara Falls, Stato di New York, Ron Lasalle ne ha percorsa di strada, macinando miglia ed esperienze che non gli hanno portato il successo commerciale ma una lunga sequela di amici/collaboratori che negli anni ne hanno fissato le coordinate di un suono intenso, corposo e profondamente coerente. La partnership con gente come Gary Tallent e Max Weinberg della E Street Band di Bruce Springsteen, Alto Reed, sassofonista con Bob Seger, Bucky Baxter, con Dylan e Steve Earle tra gli altri e George Marinelli, membro della band di Bruce Hornsby per anni e con Bonnie Raitt,  lo ha ‘formato’ dando vita ad un percorso che viene sublimato da un album come “Roads Taken”, titolo esplicativo di quelle che sono canzoni che rappresentano appieno il suo viaggio, tra rock e country, soul e canzone d’autore. Certamente vengono in mente, per approccio e filosofia di vita, John Hiatt, il Bob Seger delle sue ballate più ariose, tutto il ‘southern soul’ e l’altra faccia di Nashville che Ron Lasalle ha frequentato a lungo. “Roads Taken” è prodotto con mano sicura, pervaso da quell’irresistibile romanticismo di strada subito celebrato da una magnifica “Gypsy Road” posta in cima alla selezione e ‘faro’ di un’ispirazione guidata da una penna intrisa nel più classico ‘southern sound’ (ma anche spesso citando la scena di Asbury Park, tra Southside Johnny ed il primo Springsteen) e una voce che tocca le corde più intime e vere del nostro cuore. Le ‘strade intraprese’ in questo disco sono quelle che raccontano in maniera accorata la più genuina provincia americana, spostandosi di volta in volta verso atmosfere ‘swingate’ come nella frizzante “The Rest Of Our Lives”, il pianismo di una ballata profondamente ‘newmaniana’, intrisa di umori sudisti come “Somewhere After Goodbye” (e con un solo di Alto Reed commovente), “The Spice” che rimanda al Van Morrison più travolgente degli anni settanta, “Still Got Someday” dove sembra rivivere il più intenso ‘Jersey sound’ tra Southside Johnny e Gary US Bonds, la forza del rock di “That Was Then”, le sfumature country di “We Swore We’d Fly” e quelle ancora intriganti di “Ginny” in una ‘road song’ da manuale, vicina allo spirito di John Hiatt. Questo di Ron Lasalle è la conferma di doti notevoli, pur in presenza di molti riferimenti stilistici che comunque non inficiano un risultato più che positivo. Consigliato. E non solo come colonna sonora per i vostri viaggi.

Remo Ricaldone

 

17:52

Mike Spine - Guided By Love

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Mike Spine è un eclettico musicista che risiede a Seattle, Washington e ha già una buona discografia alle spalle, undici album che ne hanno definito suoni ma anche attitudini e sensibilità artistica. Molti sono gli spunti che emergono dall’ascolto di questo suo più recente “Guided By Love”, già dal titolo esplicativo dell’approccio accorato e profondo in un mondo caratterizzato da rabbia, odio, discriminazione e corruzione, dalle radici country sfiorate spesso in queste canzoni al più incisivo rock di marca roots con più di un collegamento con la scena del cosiddetto Paisley Underground di qualche decade fa. Vale la pena affidarsi al suo spirito condivisivo e appassionato per conoscere una bella realtà della scena d’oltreoceano in un lavoro che spesso trascina e molte volte evoca immagini intense quanto nitide. Curiosa ed originale è l’introduzione affidata alle sfumature ‘esotiche’ di Tangiers, riuscito mix di influenze, con la seguente “Smile On” che ci porta ad atmosfere care a band come Green On Red o Long Ryders. “Pancho And Lefty, Part II” è uno dei pezzi da novanta del disco, una sorta di proseguimento della classica composizione di Townes Van Zandt che qui mantiene fascino e calore, “Never Sell Your Soul” intriga per il suo andamento attendista ed evocativo, così come “Haunt On”, ballata di spessore. “Tears Of Mexico” incrocia i Calexico e si spinge nei deserti lungo il border con incisività e forza, dando poi spazio alla pianistica “Bloodless Eyes”, altra ballata che eleva il livello narrativo dell’album. “No Man’s Land” è cinematografica e vicina allo spirito di un west privo di ogni retorica e, avvicinandoci alla conclusione dell’ascolto, incontriamo una robusta “Good And Gone” ancora nello spirito dei Long Ryders, “Some Shows” e “Butterfly” che in maniera diversa mostrano un artista le cui doti meritano attenzione e che può entrare nei cuori di chi ama le commistioni tra rock e radici dei riferimenti fatti in precedenza.

Remo Ricaldone

17:50

Ellis Paul - 55

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La pandemia, i lunghi mesi di isolamento hanno permesso a molti musicisti di concentrarsi sulla composizione, riprendendo appieno il proprio tempo e rivedendo in prospettiva le loro carriere. Così è accaduto anche per Ellis Paul, veterano della canzone d’autore, nativo del Maine e figura centrale della fertile scena di Boston, musicista che ha alle spalle più di venti dischi e un livello qualitativo che se possibile si è ulteriormente arricchito grazie ad una continua ricerca melodica tra folk, country e pop, con l’amore incondizionato per i Beatles che traspare in più di un’occasione anche in questo suo “55”. Ellis Paul è songwriter dotato di grande sensibilità i cui problemi di salute che si sono presentati negli ultimi anni (una malattia degenerativa che gli crea grossi problemi alle mani) hanno semmai contribuito a vedere la vita da un’angolazione differente, cosa che traspare da molte delle sue nuove canzoni, ad iniziare dal brano di apertura intitolato “Cosmos”, impreziosito da arpeggi acustici di grande qualità e che sono un po’ la caratteristica peculiare dell’album. Voce sussurrata, attenzione ad arrangiamenti in cui hanno grande peso chitarre e tastiere e che vedono presenti nomi noti della scena della east coast come il bassista Mark Dann (per anni alla corte di un altro ottimo cantautore come Rod MacDonald), la dobroista Abbie Gardner, il grande pianista Radoslav Lorkovic e la voce angelica di Laurie MacAllister a donare ulteriore grazia ed eleganza alle canzoni: caratteristiche che rendono estremamente gradevole ma anche poeticamente rilevante questo lavoro, spesso dai toni crepuscolari ma che spesso di apre a melodie solari e dalle immagini evocative. La delicata atmosfera country di “Who You Are” con il dobro a disegnare preziosi arabeschi, lo splendido pianismo che introduce “Holy”, ballata tra le più intense e commoventi che nel ‘chorus’ acquista inflessioni ‘irish’, conferma in pieno il talento di Ladoslav Lorkovic, “Gold In California” dalle movenze solari e dalle morbide armonizzazioni, l’inevitabilmente autobiografica canzone che da’ il titolo al disco (55 erano gli anni compiuti durante la pandemia e la creazione di molte di queste canzoni), “When Angels Fall” ad accarezzare il cuore prima di congedarsi con “A Song To Say Goodbye” sono certamente i momenti più emozionanti dell’album. Un lavoro ancora più meritorio se si pensa alle molte vicissitudini che Ellis Paul sta affrontando.

Remo Ricaldone

17:48

Drew Holcomb & The Neighbors - Strangers No More

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Drew Holcomb nell’ultima decade ha ricevuto ampi riconoscimenti da parte della critica americana per un lavoro maturo e completo che gli ha anche permesso di raggiungere i piani alti delle classifiche di Billboard. Il suo è un suono che unisce country music, roots-rock, new folk e in più di un caso ‘divagazioni’ pop e soul, tutti in qualche modo presenti in questo suo nuovo disco intitolato “Strangers No More”. Nove sono gli album incisi, spalmati nell’arco di una ventina di anni in cui Drew Holcomb ha saputo descrivere attitudini e riferimenti stilistici con un bel talento interpretativo e una sensibilità non comune. “Strangers No More” lo vede ancora supportato dai fidi Neighbors e con un sforzo compositivo che premia un percorso in continua crescita. Interessante è la partnership con Ketch Secor, leader degli Old Crow Medicine Show dalla quale sono scaturite due ottime canzoni, la suggestiva ballata “Gratitude” e la più movimentata “Dance With Everybody” con un bell’arrangiamento fiatistico e un bel lavoro di percussioni. Da segnalare “Troubles” come uno dei punti più alti della selezione, una country song nobilitata dalla splendida pedal steel di Nathan Dugger, mentre canzoni come “Fly” dal cristallino arpeggio chitarristico e “Free (Not Afraid To Die)” scritta a quattro mani con Natalie Hemby, giò membro della band tutta al femminile delle Highwomen aprono e chiudono in bellezza suggellando la riuscita dell’album. In mezzo c’è la nitida “Find Your People” che rimanda alle suggestioni folk dei Lumineers e vede protagonista il banjo del sempre bravissimo Nathan Dugger a caratterizzare la melodia, c’è l’alternative country vicina allo spirito ‘indie’ di “On A Roll” che con la seguente “Possibility” fissa emozioni non distanti dalle atmosfere ‘springsteeniane’ dei dischi più intimisti del Boss e c’è una vibrante “Strange Feeling” pervasa da armonizzazioni tra rock e pop. Un disco questo da gustare affidandosi al gusto per la melodia di Drew Holcomb.

Remo Ricaldone

10:08

Tim Grimm - The Little In-Between

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Ogni nuovo disco proposto da Tim Grimm rappresenta una poetica, intensa, emozionante, appassionata immersione nel cuore d’America. Non è un caso se il musicista dell’Indiana è in grado di entrare nel profondo della sua terra e di chi la vive e la lavora in maniera tanto naturale, tale è il rapporto simbiotico con i protagonisti della più reale e profonda provincia. Ne è scaturita quindi una sequenza di lavori che negli anni lo hanno portato a ritrarre nel migliore dei modi luoghi, situazioni, emozioni, persone, rendendolo eccellente storyteller, tra i più incisivi delle ultime decadi. Lo avevamo lasciato con un album sofferto e intriso di agrodolce e tagliente poesia come “Gone” dove non mancavano i riferimenti ad amici che non ci sono più (Eric Taylor, David Olney, John Prine e Michael Smith) in un’intensa carrellata di originali e cover e ora “The Little In-Between” aggiunge un ulteriore splendido tassello al suo percorso artistico. Album dalla genesi particolare questo, in cui i brani sono stati tutti registrati nel formato ‘voce/chitarra’ nei Breathing Rhythm Studios di Norman, Oklahoma e a cui sono stati aggiunti in un secondo momento i contributi della violoncellista Alice Allen dalla Scozia e, dagli studi Kitchen Sink di Santa Fe, New Mexico di Jono Manson, della sezione ritmica formata da Mark Clark alla batteria e da Justin Bransford al basso, con Sergio Webb a chitarra elettrica e steel. Naturalmente al centro di tutto ci sono le nuove canzoni di Tim Grimm, ancora una volta interpretate con un cuore grande così, con una grande attenzione a come narrare le intensità delle emozioni e a come renderle pura poesia. Una solida conferma la sua di doti estremamente importanti, anche a livello interpretativo, con una voce le cui sfumature non fanno che sottolineare passaggi dal notevole peso letterario, reso più apprezzabile dalle, ormai consuete in casa Appaloosa, traduzioni in italiano che aiutano fattivamente gli appassionati non così avvezzi alla lingua inglese. Nove sono le canzoni che danno vita ad una selezione che va ad inquadrarsi in una tradizione consolidata, quella di un cantautore che mai dimentica i suoi ispiratori (la chiusura di “Bigger Than The Sky” è fortemente caratterizzata dalla musicalità di John Prine per esempio) ma che al tempo stesso si è creato un suo stile personale. I fondamentali legami familiari di “New Boots” e della title-track “The Little In-Between”, l’amore per la natura che Tim Grimm vive ogni giorno e che risplende in “The Breath Of Burning”, i sentimenti talvolta contraddittori che albergano nelle nostre menti in “I Don’t Know This World” sono solo sprazzi di una poetica di grande rilievo che anche in questo disco appare nitida ed intensa. Un nuovo, ‘piccolo intermezzo’ nella vita di un grande del songwriting d’oltreoceano come Tim Grimm.

Remo Ricaldone

10:06

Dean Owens - El Tiradito

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Dai paesaggi della Scozia industriale agli abbacinanti scenari dei deserti del sudovest americano, il viaggio è decisamente lungo e tortuoso e Dean Owens da Leith, l’area portuale a nord di Edinburgo,  ha percorso con felice intuizione tutte quelle miglia riconsegnandoci un suono perfettamente e profondamente radicato nella storia, nella tradizione e nella leggenda di Tucson, Arizona. “El Tiradito” è la riproposizione di un trittico di ep che Dean Owens aveva dato alle stampe con il titolo di “Desert Trilogy”, una storia di amore e morte, di passioni e tragedie con sullo sfondo il ranch dove è protagonista Juan Oliveras, ancora oggi meta di ‘pellegrinaggi’ nel Barrio Viejo, la parte antica della cittadina di Tucson. Un doppio cd questo che approfondisce la storia, la descrive con grande efficacia e la divide in due parti distinte pur nella continuità di espressione, altamente descrittiva, tra ballate naturalmente desertiche, infatuazioni ‘mexican’ e l’aiuto fattivo e prezioso dei Calexico. E proprio Joey Burns e John Convertino sono i musicisti attorno ai quali ruotano i luminosi arrangiamenti del disco, con il supporto dei fiati mariachi di Jacob Valenzuela e Martin Wenk, della pedal steel di Paul Niehaus, del violino di Tom Hagerman, delle tastiere di Sergio Mendoza in una girandola di suoni  e colori che ammaliano l’ascoltatore portandolo direttamente negli affascinanti deserti del sudovest, tra rock e radici. Tra Dean Owens e i Calexico è scattata la scintilla e il risultato è di esrtema efficacia ed incisività in un primo disco dove la selezione è di grande qualità compositiva, mentre il secondo, interamente strumentale, non fa che rimarcare legami con i western di Sergio Leone giocando con limpidi rimandi cinematografici. Il fascino è palpabile ed evocativo specialmente nell’iniziale “Mother Road”, nell’intensa “Ashes & Dust” e poi in titoli come “Tombstone Rose”, “Riverline” e “The End” ma è un po’ tutto questo lavoro che sprigiona energia e poesia in un’alternanza di ritmi, di sfumature e di stati d’animo. “El Tiradito” è quindi un (doppio) album da non lasciarsi sfuggire se si vuole entrare in un mondo fatto di culture che si intrecciano e musiche che coinvolgono.

Remo Ricaldone

 

10:04

Matthew Check - Without A Throne

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Attualmente residente a Brooklyn, New York dove negli anni è passato da un ‘quasi bluegrass’ ironicamente nominato ‘jewgrass’ dalle sue radici ebraiche al folk-rock in compagnia della cantautrice Joanie Leeds come Joanie & Matt, il musicista nativo della Pennsylvania ha via via abbracciato quel suono tipicamente anni settanta che ha unito in maniera profondamente poetica country, pop, folk e rock trovando terreno fertile specialmente sull’altra costa, in California. “Without A Throne” battezza in maniera piena e completa una musicalità che ha trovato in questi anni molti epigoni e molti estimatori, senza fronzoli e senza soluzioni artificiose, dando invece spazio ad una poetica limpida e tersa. Inciso a Nashville sotto la supervisione e il fondamentale contributo strumentale del producer Thomas Bryan Eaton, “Without A Throne” è un disco dalla bellezza naturale, semplice, pulita, un lavoro la cui brevità (supera di poco i venticinque minuti per sette brani) non inficia un racconto proprio  per questo essenziale e mai dispersivo. L’album si apre con uno dei brani manifesto, una “The Very Beginning” che sottolinea l’inizio di un percorso maturato negli anni e vicino allo spirito di un Jackson Browne e di quella generazioni di artisti che hanno segnato specialmente una (lunga) stagione, quella degli anni settanta in cui si passò dalle utopie, dal ‘movimentismo’ e dall’impegno degli anni sessanta alle forme più intimiste e personali della decade successiva, la cosiddetta ‘me generation’. “Old Wooden Floor” rimanda alle atmosfere rurali del Neil Young più vicino ai suoni delle radici in un momento fortemente autobiografico legato ad un particolare momento della vita del protagonista e dei suoi problemi con l’alcool mentre “Pretty Mama” ribadisce con forza influenze country naturali visto il contesto in cui è concepita, mostrando un Matthew Check perfettamente a proprio agio. Il suono del disco è comunque in grande equilibrio e ci si sposta facilmente verso inflessioni più pop come nella piacevolezza pianistica della seguente “The Way That You Are” con ancora il gusto dei ‘seventies’ a farsi sentire, con “What A Father Would Do (Absalom)” a portare le atmosfere maggiormente verso il rock e con il piano di John Pahmer sempre in bella evidenza. “The Shape It Appears”, sontuosa ballata che sa di (real) country e “Because You Can” con le sue deliziose colorazioni caraibiche che ricordano un po’ i Grateful Dead e anche certe cose di Loggins & Messina chiudono in bellezza una bella sorpresa che merita l’attenzione di chi è legato ad un passato che continua a tornare e a ispirare.

Remo Ricaldone

10:02

Afton Wolfe - Twenty-Three

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Afton Wolfe aveva debuttato nel 2021 con “Kings For Sale” un disco che aveva sorpreso e colpito per la capacità di raccontare un profondo sud spesso alternativo alla narrazione e alla percezione corrente, unendo diverse sensibilità con un racconto dai toni ‘dark’ tra il gospel ed il blues da una parte e la country music e le sonorità ‘swamp’ dall’altra. Con una voce da più parti collocata tra Tom Waits e il Van Morrison ‘americano’ dei primi anni settanta, il musicista nato nella piccola cittadina di McComb, Mississippi e cresciuto nei luoghi storici della musica lungo il corso dell’omonimo fiume, da Meridian (dove nacque Jimmie Rodgers) a Hattiesburg e a Greenville ha assorbito tutto lo scibile della musica americana, senza farsi problemi nel mescolare radici ‘bianche e nere’ e a rileggere con spirito personale il tutto, dando vita ad un suono estremamente contemporaneo ed affascinante. Pur nella sua estrema brevità, “Twenty-Three” non fa che confermare la crescita interpretativa di Afton Wolfe, mostrando di avere anche notevoli doti compositive in un lavoro che cresce esponenzialmente con gli ascolti ed entrando stabilmente nel cuore di chi non crede e non ha steccati mentali. Si inizia con una “Cry” che affonda le proprie radici nel più puro e classico Memphis soul, interpretata con incredibile passione affidandosi ad un arrangiamento in cui fiati e cori femminili fissano le coordinate, mentre con la seguente “The Moon Is Going Down”, nostalgica e toccante, si ha la sensazione di ascoltare un Tom Waits nato e cresciuto con la country music nel cuore. “Truck Drivin’ Man” dall’andamento misterioso e scuro si muove tra rock e radici con l’ispirato violino di Rebecca Weiner Tompkins a ricordare il Mellecamp degli ultimi anni, “So Purple” annerisce nuovamente le atmosfere in un sinuoso ‘melting pot’ che rimanda ai migliori Neville Brothers e a quell’incredibile ‘fabbrica di suoni’ che ha fatto di New Orleans una delle grandi città musicali americane. “Late Nite Radio” è ballata notturna sofferta ed evocativa che unisce country, rock e soul in uno dei momenti più emozionanti del disco, con ancora il ricordo del miglior Van Morrison grazie agli interventi di fiati e al continuo lavoro di piano, un bravissimo Chad Stuible. Disco camaleontico e intrigante, degno seguito, seppur nella sua brevità, di un debutto da ricordare.

Remo Ricaldone

17:39

Jack Schneider - Best Be On My Way

Pubblicato da Remo Ricaldone |


Tra i più luminosi esordi di questi ultimi tempi, quello di Jack Schneider, storyteller nato a New York ma trasferitosi nel profondo sud prima in Georgia e poi, quasi inevitabilmente, a Nashville, rappresenta la più ispirata canzone d’autore che prende spunto dal folk e dalla country music per diffondere poesia, emozioni e grande passione. Fin dalla copertina con quel rimarcato amore per l’essenzialità e per i sapori ‘vintage’ abbiamo di fronte un album che rimanda alle molte produzioni artigianali tra gli anni sessanta e i settanta del secolo scorso riproponendo la stessa freschezza e lo stesso gusto melodico di cui è ricca la narrazione di Jack Schneider. Scorrendo poi le note di copertina ci rendiamo conto che questo è un lavoro da rimarcare per molteplici motivi: la registrazione in uno dei templi della città di Nashville come i Sound Emporium Studios e la presenza di nomi come Vince Gill, amico con cui il nostro ha stretto un solido patto di collaborazione negli anni scorsi, David Rawlings alle chitarre acustiche e al banjo, Stuart Duncan a fiddle e mandolino e  Dennis Crouch al contrabbasso tra gli altri, eccellenze della musica acustica legata alle radici. Il resto lo fanno le notevoli doti compositive, una finissima tecnica chitarristica e una voce perfettamente in grado di avvincere e commuovere, mantenendo per tutta la durata del disco, per le dieci pregevoli canzoni, un livello molto, molto alto. Difficile quindi scegliere un brano piuttosto che un altro in una selezione che non ha punti deboli, con un Jack Schneider sempre attento e misurato nell’esternare le proprie emozioni. Qui siamo dalle parti della più nobile tradizione cantautorale, prendendo spunto dal Bob Dylan ‘nashvilliano’ e bucolico dei suoi dischi di fine anni sessanta, dai troubadours texani ‘emigrati’ a Music City nella decade successiva come Guy Clark e Townes Van Zandt e dalla roots music del nuovo millennio come quella della coppia Gillian Welch e David Rawlings, senza poi citare due nomi come Ryan Adams e Neil Young da cui provengono certe inflessioni. “Josephine”, la title-track “Best Be On My way”, “Farewell Carolina”, la conclusiva “Del Rio Blues” e “Marietta” sono alcuni dei momenti migliori di un album da gustare nella sua completezza. Sicuramente tra i migliori dell’anno.

Remo Ricaldone

 

17:35

Doug Collins & The Receptionists - Too Late At Night

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Nato nell’Iowa ma da parecchio tempo residente a Minneapolis, Minnesota, Doug Collins è una delle migliori proposte delle Twin Cities in ambito roots con un contagioso e divertente ‘country’n’roll’ dove non mancano riferimenti melodici ai Beatles, fin da piccolo miti del nostro. Dal 2018 Doug Collins ha chiamato a collaborare il suo vecchio pard Charley Varley al basso, Billy Dankert ha preso posto dietro ai tamburi e Randy Broughton, eccellente pedal steel player, ha completato i Receptionists, solida e compatta band di accompagnamento. Con questa line-up è stato registrato anche questo “Too Late At Night”, disco che mette a fuoco le doti melodiche di Doug Collins e la sua freschezza ed intelligenza nel variare i temi, presentando così un lavoro più che godibile aperto da una classica “Drinkin’ Again” alla quale è posta una notevole ballata come “Stay The Same”, primo vero gioiellino dell’album. “Mexico MO” riprende le atmosfere del border care ai Calexico, “Mama’s Shoes” riporta ad una country music brillante in cui fa la parte del leone la pedal steel, costante presenza nel corso di una selezione si artigianale nella costruzione ma sempre credibile e soprattutto molto, molto piacevole. “Wish I Still Cared” si avvicina alla scuola country di Bakersfield con un ritmo cadenzato e limpido, “One Thing In Common” è un country-waltz ancora una volta interpretato con stile, senza spostarsi dalla tradizione ma proponendola con trasporto, “Sunday Afternoon” incrocia country music e fascinazioni legate alla ‘british invasion’, con il suo coinvolgente sapore pop, così come in “Dixon” dove non mancano i riferimenti ‘beatlesiani’. A chiudere un disco breve nei suoi poco più di trenta minuti, ma forse proprio per questo scorrevole e fluido, “Three Waves” e la sua country music dalle venature ‘sixties’ e “Hardest Part”, intenso brano acustico tra i più affascinanti della selezione. Perfetto congedo per una nuova, bella conferma del talento di Doug Collins e soci.

Remo Ricaldone

17:33

Hillsborough - Comin' Back For You

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Nati come ‘side project’ della rock band Sacred Shrines, tra le formazioni più in vista di Brisbane, Queensland, gli Hillsborough spostano il baricentro sonoro verso una buon alternative country condito da un’attitudine che di volta in volta li porta vicino alla psichedelia californiana degli anni sessanta e a certa country music di marca ‘outlaw’. A guidare gli Hillsborough ci sono Phil Usher e Beata Maglai ai quali forniscono una solida sezione ritmica Robbie Zawada al contrabbasso e Jonathan Pickvance alla batteria, protagonisti di un album in cui non mancano tentazioni ‘vintage’ ma con un feeling assolutamente contemporaneo. “Comin’ Back For You” è quindi un lavoro sorprendente che ci fa scoprire una nuova realtà del roots-rock ‘down under’ il cui piglio fresco e vibrante merita attenzione e garantisce una grande piacevolezza all’ascolto. “Trouble Finds Its Way” coglie subito nel segno con una melodia posta tra Byrds e Tom Petty con il fascino indelebile della California, con un’armonica che spunta tra chitarre e tastiere, “Magnetic Lives” porta in dote il roots-rock più classico e genuino al quale segue la passione rock di “Comin’ Back To You” e una ballata elettrica come “Exit Wounds” che fa emergere tutte le doti compositive di Phil Usher. Tra i momenti migliori del disco c’è la cadenzata “When Nobody Knows Your Name” con il folk nel cuore e un’altra bella armonica a segnare la melodia, subito seguita dalla eccellente “Stitches”, tra le più immediate ed appassionate, “Port Jackson Blues” interpretata con il cuore e con nella mente la tradizione americana nella sua accezione più autentica e “Laughing Clown”. A congedare un disco assolutamente interessante e consigliato ci sono due momenti di grande intensità emozionale, “Far Away From Here” e la più acustica “Queenie”, canzoni che arricchiscono di poesia e di liricità quello che si può considerare la definitiva maturazione degli Hillsborough.

Remo Ricaldone

17:30

Lynn Miles - TumbleWeedyWorld

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Tra le più belle voci del Canada legato alle radici country e folk, Lynn Miles è largamente apprezzata in patria per la sua grande sensibilità di musicista ma anche di attivista nel sociale con il suo impegno per migranti e persone con problemi mentali. Con ben quindici album alle spalle, Lynn mostra in questo suo nuovo disco tutta la sua carica umana e la sua capacità empatica di descrivere i rapporti interpersonali con garbo e poesia ma anche con forza espressiva ed incisività. Dieci canzoni sul filo dei sentimenti come l’incomunicabilità, le differenze che a volte distanziano le persone e le complicazioni insite nei legami affettivi, sul confine qui labile tra folk, country e bluegrass attraverso arrangiamenti acustici di estremo fascino e la presenza di un piccolo manipolo di eccellenti strumentisti. Il mandolino di Joey Wright, il banjo di Bob McLaren, il violino di James Stephens, il dobro di Stuart Rutherford ed il contrabbasso di Michael Ball fungono da stabile ed intrigante base sulla quel si dipanano le storie narrate con splendida voce da una Lynn Miles in ottima forma. La notte, spesso usata come metafora ma profondamente amata dalla protagonista, è presente in varie forme a partire dall’iniziale “Night Owl”, nella ballata dai contorni quasi western della notevole “Cold Cold Moon” e nell’altrettanto bella “Palomino”. Gli sbalzi d’umore raccontati intensamente in “Moody”, i vividi ritratti fotografati in “Hwy 105”, nella commovente “Johnny Without June dove i riferimenti del titolo vanno naturalmente alla coppia Johnny Cash e June Carter, i sentimenti agrodolci di ballate come “Hide Your Heart” e “All Bitter Never Sweet” svelano una emotività non comune da parte di Lynn Miles capace di condensare in pochi versi argomenti certamente complicati come i risvolti umani nei rapporti di coppia. Un disco questo “TumbleWeedyWorld” che contribuisce a rileggere queste tematiche in modo ricco di profondità poetica, sorretto da un accompagnamento strumentale assolutamente godibile e ricco di talento espressivo.

Remo Ricaldone

22:24

Rodney Rice - Rodney Rice

Pubblicato da Remo Ricaldone |

Rodney Rice era entrato nei nostri radar grazie a due ottimi dischi incisi in Texas (“Empty Pockets And A Troubled Mind” del 2014 e “Same Shirt, Different Day” del 2020) che mostravano la sua splendida attitudine ad unire una vena cantautorale, maturata con l’ascolto di grandi del calibro di John Prine e Guy Clark, con inflessioni vicine a certo alternative country. Ora il musicista originario del West Virginia e residente in Colorado torna con un album omonimo che potrà dare il giusto riconoscimento delle sue doti di singer-songwriter solido e maturo e di performer completo. Inciso questa volta a Nashville, negli studi Bomb Shelter, “Rodney Rice” ha preso corpo partendo dall’idea originaria di incidere giusto due o tre brani ma aggiungendone altri fino a raggiungere un numero congruo per proporre un lavoro fatto e finito come questo. Pur essendo composto da canzoni concepite in momenti diversi mantiene quella coesione e quella compattezza che rendono l’album assolutamente godibile e vincente, a partire dall’apertura affidata a “How You Told Me So”, il momento forse più ricco e variegato musicalmente, vicino in alcuni momenti ad atmosfere ‘neworleansiane’ grazie al break di Kirk Donovan alla tromba. Ci sono poi momenti più robusti e roots-rock, con le chitarre elettriche di Sean Thompson e Steve Daily a fare da base a brani come “Got To Where I’m Going”, “Nothing To Lose” e soprattutto a “Wonder Where I Came From” che vedrei bene nel repertorio di Joe Ely, brani dalle melodie cristalline come “Little Pieces” che a me ricorda il Jerry Jeff Walker più ispirato e l’acustica “Roll River Roll” con il mandolino ed il fiddle (nelle mani rispettivamente di Ethan Bollinger e Billy Contreras) in primo piano e genuinamente country come “Rabbit Ears Motel”, brano di presentazione del disco con una melodia classica ed estremamente piacevole. Da sottolineare anche “Set ‘em Up” con un pizzico di anima blues e la conclusiva “Every Passing Day”, dall’intensa e solida melodia per un lavoro da rimarcare grazie all’ispirata vena di un musicista guidato da una sincera passione.

Remo Ricaldone

 

22:23

Mike Miz - Only Human

Pubblicato da Remo Ricaldone |

E’ da almeno una decina di anni che Mike Miz bazzica i club del nordest, dalla Pennsylvania fino ad Asbury Park, New Jersey (vi ricorda qualcosa?) e New York City proponendo un solido e passionale rock’n’roll ‘operaio’ permeato da inflessioni roots, aprendo i concerti per nomi come Jason Isbell, Jakob Dylan, Lukas Nelson, Southside Johnny, Shawn Colvin e Railroad Earth tra gli altri. Da qui si possono intuire le influenze e lo spirito che lo ha guidato ora a Nashville dove ha inciso il suo “Only Human”, disco coinvolgente e dalla brillante musicalità che fotografa molto bene il suo attuale ottimo stato di forma espressiva, tra l’amore per gli Stones dei primissimi anni settanta, il southern rock e i suoi epigoni (senza sminuirne il valore) come Black Crowes e simili. “Only Human” suona come disco onesto e genuino, non inventa nulla ma si pone come una bella boccata d’aria fresca dando vita a una selezione in cui forza e melodia si compendiano alla perfezione. “Hand Of The Sculptor” è ‘stonesiana’ al cento per cento, rimanda con le sue tendenze rock-blues ai tempi gloriosi di “Exile On Main Street”, disco epocale che continua ad influenzare generazioni di musicisti, “Six Ways From Sunday” non può che riportare ai Lynyrd Skynyrd con i fiati a contrappuntare un brano veramente trascinante, mentre “Understand” è ballata prettamente acustica interpretata con il cuore in mano, a controbilanciare lo stato d’animo di un lavoro comunque vario nei temi. “Wander Blue” tocca le corde di una country music ispiratissima, genuina e inserita in un contesto ancora ‘southern’ con una bella pedal steel a segnare la melodia, mentre piano e chitarra acustica introducono un’altra bella rock ballad di peso come “Less Than Paper Thin”. Non passa inosservato anche il bell’intermezzo acustico strumentale di “The Inn Between” che introduce l’intensa “You Make Me Feel” pervasa da un alone di grande passione, giusto il tempo per chiudere con un altro contagioso rock’n’roll come “Tail Lights”, degno saluto da parte di un altro nome che si può tranquillamente aggiungere alla lista dei ‘best kept secrets’ della scena tra rock e radici.

Remo Ricaldone

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